서양 음악

서양 음악의 기원은 고대 시기로 거슬러 올라간다. 기원전 약 200년까지의 음악 역사는 현존하는 악보가 거의 없어 연구가 제한되는 암흑기로 여겨진다. 당시에는 기보법이 발달하지 않았기 때문에 음악은 주로 구전으로 전승되었다.

이 시기의 고대 음악으로는 중국, 이집트, 헤브라이 음악 등이 있으나, 그 중 그리스 음악이 가장 중요한 위치를 차지한다. 그리스의 음악 이론은 후대 중세의 음악 이론에 결정적인 영향을 미쳤기 때문이다. 특히 완전어울림음정과 불완전어울림음정에 대한 개념이 그리스에서 비롯되어 오늘날까지 사용되고 있다.

고대 음악은 이후 기독교 문화와 결합하며 발전의 기초를 마련했다. 기원후 200년경부터 약 1000년에 걸쳐 발전한 단성음악은 서양 음악사의 중요한 초기 단계를 이루었다. 이 단성음악의 전통 위에서 9세기에 다성음악이 발명되며 본격적인 서양 음악의 역사가 시작된다.

중세 음악은 서양 음악사에서 기보법이 본격적으로 사용되기 시작하고, 다성음악의 기초가 마련된 시기의 음악을 가리킨다. 이 시기는 대략 5세기부터 15세기 초까지로, 그리스도교의 영향 아래 그레고리오 성가와 같은 단성음악이 주류를 이루었다. 특히 수도원과 대성당을 중심으로 음악이 발전하며, 음악 이론과 실천이 체계화되는 중요한 전환점이 되었다.

가장 중요한 발전은 9세기경 다성음악의 등장이다. 이는 단일한 선율만을 노래하던 전통에서 벗어나, 두 개 이상의 독립된 성부가 동시에 진행하는 음악 양식을 의미한다. 이러한 초기 다성음악 형태를 오르가눔이라고 부르며, 이 발명은 이후 서양 음악의 핵심이 되는 폴리포니와 대위법 발전의 시초가 되었다. 이 시기에는 네우마 기보법이 발전하여 음악의 기록과 전승이 용이해졌다.

중세 후기로 갈수록 음악은 더욱 복잡해졌다. 13세기에는 모테트와 같은 세속적 다성음악이 유행했고, 14세기에는 아르스 노바 운동이 일어나 리듬과 악곡 형식에 있어 혁신적인 실험이 이루어졌다. 이 시기의 대표적인 작곡가로는 길로마 드 마쇼가 있다. 중세 음악의 이러한 발전은 르네상스 음악으로 이어지는 토대를 마련했다.

르네상스 음악은 15세기 중반부터 16세기에 걸쳐 유럽에서 꽃핀 음악 양식이다. 이 시기는 예술과 문화 전반에 걸친 르네상스 정신이 음악에도 깊이 반영되어, 중세의 음악적 전통을 넘어서는 중요한 발전이 이루어진 시기이다. 특히 성악 다성음악이 절정에 달하여, 이 시대는 종종 다성음악의 황금시대라고 불린다. 플랑드르 악파를 중심으로 한 작곡가들은 복잡하고 정교한 대위법 기술을 극도로 발전시켰으며, 미사와 모테토 같은 종교 음악과 함께 샹송과 마드리갈 같은 세속 음악도 크게 융성했다.

이 시기의 음악은 중세의 오르가눔에서 비롯된 폴리포닉 구조를 더욱 세련되고 균형 잡힌 형태로 완성했다. 각 성부가 독립성을 유지하면서도 전체적인 화성이 조화를 이루는 기법이 정착되었으며, 이는 근대 화성학의 기초를 마련하는 계기가 되었다. 악보 인쇄술의 발명과 보급은 음악의 빠른 유포와 보존을 가능하게 했고, 이는 음악사에서 중대한 전환점이었다. 주요 작곡가로는 조스캥 데 프레, 지롤라모 프레스코발디, 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나 등이 있다.

바로크 음악은 1600년경부터 1750년경까지 유럽에서 발전한 음악 양식이다. 이 시기는 일반 예술사에서 바로크 양식이 꽃피던 시기와 맞물려, 음악에서도 웅장하고 장식적인 표현, 강한 감정의 대비, 그리고 역동성이 두드러진다. 음악사적으로는 르네상스 음악의 폴리포닉 전통을 계승하면서도, 대위법과 화성학이 더욱 체계화되고 조성 음악의 기반이 확고히 자리잡은 중요한 시기이다.

이 시기의 주요 특징은 통주저음의 사용, 장식음의 발달, 그리고 하나의 정서를 일관되게 표현하는 '감정의 양식' 이론 등이다. 음악 형식 면에서는 오페라, 칸타타, 오라토리오 같은 새로운 성악 장르가 탄생했으며, 기악 음악도 독립적으로 크게 발전하여 협주곡, 푸가, 소나타 같은 형식이 정립되었다. 관현악의 편성도 오늘날과 유사한 형태로 발전하기 시작했다.

대표적인 작곡가로는 요한 제바스티안 바흐와 게오르크 프리드리히 헨델이 꼽힌다. 바흐는 대위법의 정점을 보여주었고, 헨델은 극적이고 웅장한 오라토리오로 명성을 얻었다. 이 외에도 클라우디오 몬테베르디는 초기 오페라의 개척자였으며, 안토니오 비발디는 기악 협주곡, 특히 바이올린 협주곡 분야에서 뛰어난 업적을 남겼다. 이들의 활동으로 바로크 음악은 이후 고전파 음악으로 이어지는 견고한 토대를 마련했다.

고전파 음악은 18세기 후반부터 19세기 초반까지 유럽에서 꽃핀 음악 양식이다. 이 시기는 음악적 형식과 스타일에서 중요한 변화가 일어난 시기로, 바로크 음악의 복잡한 폴리포니에서 벗어나 명료한 형식과 균형 잡힌 구조를 중시하는 특징을 보인다. 고전 음악의 정신은 객관성, 정서적 절제, 그리고 구조적 원칙에 대한 고수로 요약할 수 있으며, 이러한 특성은 교향곡, 협주곡, 소나타와 같은 기악 형식에서 가장 잘 구현되었다.

이 시기의 대표적인 작곡가로는 프란츠 요제프 하이든, 볼프강 아마데우스 모차르트, 루트비히 판 베토벤을 들 수 있다. 하이든은 교향곡과 현악 사중주의 형식을 확립했으며, 모차르트는 다양한 장르에 걸쳐 우아하고 완벽한 균형의 작품을 남겼다. 베토벤은 후기로 갈수록 고전주의의 틀을 확장하여 낭만주의 음악으로 가는 교량 역할을 했다. 이들의 활동은 주로 빈을 중심으로 이루어졌기 때문에 이 세 작곡가를 '빈 고전파'라고 부르기도 한다.

고전파 음악의 중요한 발전 중 하나는 소나타 형식의 정립과 보편화이다. 이 형식은 제시부, 발전부, 재현부로 구성되어 대조적인 주제를 논리적으로 전개하는 데 적합했으며, 교향곡의 한 악장이나 독립된 소나타의 기본 구조로 널리 사용되었다. 또한, 관현악의 편성이 표준화되고 피아노가 점차 하프시코드를 대체해 가는 등 악기와 연주 형태에도 변화가 있었다.

오페라 분야에서는 크리스토프 빌리발트 글루크가 오페라 개혁을 주도하여 음악과 극적 행위의 통합을 강조했으며, 이는 이후 오페라의 발전에 지대한 영향을 미쳤다. 고전주의 시대는 이성과 질서, 형식의 아름다움을 추구하는 시대 정신이 음악에 고스란히 반영되어, 서양 음악사에서 가장 정제되고 완성도 높은 작품들이 탄생한 시기로 평가받는다.

낭만주의 음악은 19세기 초반부터 후반까지 유럽을 중심으로 발달한 음악 양식이다. 이 시기의 음악은 고전주의 음악의 객관성과 형식적 균형보다는 개인의 감정과 주관적 표현, 그리고 자연과 초자연적 세계에 대한 동경을 강조하는 특징을 보인다. 낭만주의는 문학과 미술 등 다른 예술 분야에서도 두드러진 사조였으며, 음악에서는 이를 통해 더욱 풍부한 감정 표현과 서사적 구조가 발전하게 되었다.

낭만주의 음악의 주요 특징으로는 확장된 화성학, 더욱 자유로운 형식, 그리고 표제 음악의 발전을 들 수 있다. 표제 음악은 문학, 미술, 역사적 사건 등 음악 외적인 내용을 표현하는 것을 목표로 하였으며, 교향시와 같은 새로운 장르를 탄생시켰다. 또한 관현악의 규모가 확대되고 음색의 다양성이 중시되어, 오케스트라의 편성과 연주 기법이 크게 발전하였다.

이 시기에는 리스트, 쇼팽, 슈만, 멘델스존과 같은 작곡가들이 피아노 음악을 크게 발전시켰으며, 베를리오즈, 바그너, 차이콥스키 등은 관현악과 오페라 분야에서 혁신을 이루었다. 특히 바그너는 지속음과 반음계적 화성을 극도로 활용한 자신의 악극을 통해 음악 언어를 확장하였다. 낭만주의 음악은 이후 인상주의 음악과 근대 음악으로 이어지는 다채로운 20세기 음악의 토대를 마련하였다.

근대 음악은 19세기 말부터 20세기 초반에 걸쳐 발전한 서양 고전 음악의 한 시기를 가리킨다. 이 시기의 음악은 이전 시대의 강력한 영향력, 특히 후기 낭만주의의 거대한 규모와 감정적 과잉으로부터 벗어나려는 다양한 시도가 두드러진 특징이다. 작곡가들은 새로운 음향, 새로운 형식, 그리고 새로운 음악적 언어를 모색하며 전통적인 조성 체계에 도전하기 시작했다.

한편, 이 시기에는 민족주의 음악이 크게 번성했다. 여러 나라의 작곡가들은 자신들의 민요, 전설, 역사적 사건을 음악에 적극적으로 도입하여 독자적인 음악적 정체성을 구축했다. 이러한 움직임은 러시아, 체코, 핀란드, 스페인 등 유럽 각지에서 활발하게 전개되었다.

인상주의 음악은 이 시기의 중요한 흐름 중 하나로, 클로드 드뷔시와 모리스 라벨이 대표 작곡가이다. 그들은 선명한 색채감과 분위기, 전통적인 화성 구조를 탈피한 새로운 화성 어법을 추구했다. 이와 병행하여 표현주의 음악이 등장하여, 아르놀트 쇤베르크와 그의 제자들은 조성을 완전히 해체하는 무조 음악과 12음 기법으로 나아가는 길을 열었다.

결과적으로 근대 음악 시기는 전통과 실험, 민족적 색채와 국제적 추상성이 공존하는 다채로운 과도기적 성격을 지닌다. 이 시기의 탐구는 이후 현대 음악의 다양한 흐름으로 직접 연결된다.

현대 음악은 20세기 전반부터 시작되어 현재까지 이어지는 서양 예술 음악의 흐름을 가리킨다. 이 시기는 두 차례의 세계대전과 급속한 과학 기술의 발전, 기계화된 문명의 등장으로 특징지어지며, 음악 역시 이러한 시대적 변화를 반영하여 급진적인 실험과 다양성을 보여준다. 기존의 낭만주의 음악이 지니던 주관적 정서 표현에서 벗어나, 객관성과 기능주의로의 복귀, 새로운 소재와 기법에 대한 탐구가 두드러진다.

이 시기의 음악은 단일한 스타일로 정의하기 어려울 만큼 다양한 경향이 공존한다. 조성 체계를 벗어난 무조성 음악, 12음 기법과 같은 체계적인 작곡법, 전자 음악의 등장, 우연성 음악(알레아토리크)과 미니멀리즘 등 수많은 새로운 사조와 기법이 등장했다. 존 케이지와 같은 작곡가는 음악의 정의 자체에 도전하며, 소음과 침묵까지도 음악적 요소로 포함시키는 실험을 진행하기도 했다.

이러한 변화는 연주 방식과 음향 자체에도 영향을 미쳤다. 전자 악기와 테이프를 활용한 구체 음악, 컴퓨터를 이용한 음향 합성 등 전통적인 관현악 편성과는 다른 새로운 소리의 세계가 개방되었다. 동시에 신고전주의 음악처럼 과거의 형식과 스타일을 재해석하는 경향도 지속되었다. 현대 음악은 방대한 작품과 이론, 그리고 음반과 방송과 같은 매체의 발달로 인해 역사상 그 어느 때보다 많은 청중에게 접근 가능해졌다.

서양 음악의 가장 두드러진 특징 중 하나는 기보법을 사용하여 음악을 기록하고 전승한다는 점이다. 이는 구전 중심의 많은 음악 문화와 구별되는 핵심 요소이다. 초기 중세 시기부터 발전하기 시작한 기보법은 음의 높이와 길이, 강약 등을 시각적 부호로 체계화하여, 작곡가의 의도를 정확히 전달하고 보존하는 데 결정적 역할을 했다.

기보법의 발전은 다성음악의 복잡한 구조를 기록할 수 있는 토대를 마련했다. 특히 9세기경 오르가눔과 같은 초기 다성 음악이 발명되면서, 여러 성부가 어떻게 조화를 이루는지를 기록할 필요성이 커졌다. 이에 따라 네우메 기보법에서 시작된 표기 체계는 점차 정교화되어 현대의 오선보 체계로 이어졌다.

이러한 정밀한 기록 체계는 대위법과 화성학 같은 근대적 음악 이론의 확립과 궤를 같이한다. 작곡가들은 기보된 악보를 통해 복잡한 폴리포니 구조를 설계하고, 화성의 진행을 체계적으로 연구할 수 있게 되었다. 결국 기보법은 서양 클래식 음악이 이론과 실천을 결합하여 체계적으로 발전할 수 있는 기반이 되었다.

화성학은 음악 이론의 한 분야로, 여러 개의 음이 동시에 울릴 때 발생하는 화음의 구성과 그 연결 관계, 그리고 그로 인해 만들어지는 음악적 긴장과 해소의 흐름을 연구한다. 이는 서양 음악, 특히 조성 음악의 근간을 이루는 핵심 이론 체계이다. 화성학의 발전은 다성음악의 진화와 밀접하게 연결되어 있으며, 대위법이 각 성부의 수평적 선율 진행에 중점을 둔다면, 화성학은 수직적 음향 구조와 그 시간적 흐름에 주목한다.

화성학의 기초는 3화음과 7화음 같은 화음의 구성, 그리고 온음계 내에서의 화음 진행 원리 위에 세워진다. 조성 체계 하에서는 주요 3화음(토닉, 도미넌트, 서브도미넌트)의 기능과 그 사이의 관계가 음악의 구조와 방향성을 결정짓는다. 예를 들어, 도미넌트 7화음에서 토닉으로의 진행(종지)은 강한 해결감을 제공하는 가장 전형적인 화성 진행 중 하나이다.

이러한 화성의 규칙과 관례는 역사적으로 변화해왔다. 르네상스 음악의 선법 기반 폴리포니에서 시작되어, 바로크 음악 시기를 거치며 조성 체계가 공고화되었고, 고전파 음악에서 그 절정에 이르렀다. 낭만주의 음악 시기에는 반음계의 확대, 전조의 빈번한 사용, 화음의 복잡화를 통해 표현의 범위를 넓혔다. 이후 근대 음악과 현대 음악에 이르러서는 조성의 해체와 함께 무조성, 12음 기법, 복조성 등 전통적 화성학의 틀을 벗어난 새로운 음향 조직 원리가 등장하게 된다.

대위법은 둘 이상의 독립적인 선율이 동시에 진행되면서 서로 조화를 이루는 음악 기법이다. 이는 서양 음악의 폴리포니 음악을 구성하는 핵심 원리로, 단일한 선율 위에 다른 선율을 '대위(對位)'시킨다는 의미에서 그 명칭이 유래한다. 대위법은 특히 중세 음악과 르네상스 음악 시기에 다성음악의 형태로 본격적으로 발전하였으며, 이후 바로크 음악 시대에 요한 제바스티안 바흐에 의해 그 정점에 이르렀다.

대위법의 기본 원리는 각 선율이 수평적 독립성을 유지하면서도, 수직적으로 맞닿는 지점에서 화성학적 규칙을 따르는 데 있다. 즉, 각 성부는 리듬과 멜로디 진행에 있어 자율성을 가지되, 함께 울릴 때는 불협화음의 해결과 같은 화성적 원칙을 준수해야 한다. 이러한 기법은 푸가나 카논과 같은 정교한 음악 형식의 토대를 제공하였다.

대위법은 고전파 음악 시기에는 화성학 중심의 작곡 기법에 다소 주춤한 듯했으나, 낭만주의 음악과 근대 음악을 거치며 새로운 형태로 재해석되어 지속적으로 활용되었다. 이는 서양 클래식 음악의 구조적 복잡성과 예술적 깊이를 가능하게 한 근간이 되는 이론 체계이다.

다성음악은 둘 이상의 독립적인 선율이 동시에 진행되는 음악 양식이다. 이는 서양 음악의 핵심적인 특징 중 하나로, 단선율 음악과 구분된다. 다성음악의 발전은 서양 음악사에서 가장 중요한 혁신 중 하나로 평가받으며, 폴리포니의 개념을 바탕으로 한다.

그 기원은 9세기경으로 거슬러 올라간다. 당시 성가에 다른 선율을 더해 부르는 초기 형태의 다성음악인 오르가눔이 발명되었다. 이는 훅발드에 의해 시작된 것으로 알려져 있다. 이후 중세 음악과 르네상스 음악을 거치며 다성 기법은 꾸준히 발전했고, 16세기는 성악 다성음악의 황금기로 불린다.

다성음악의 작곡과 분석에는 대위법 이론이 핵심적으로 적용된다. 대위법은 여러 독립적인 선율을 어떻게 결합하고 조화시킬지에 대한 규칙을 다룬다. 이는 화성학과 함께 근대적 음악 이론의 중요한 축을 이룬다. 이러한 이론적 토대 위에 세워진 조성 음악은 바로크 음악, 고전주의 음악, 낭만주의 음악에 이르기까지 서양 예술 음악의 주류를 형성했다.

관현악은 다양한 악기를 포함하는 대규모 악단에 의해 연주되는 음악 장르이다. 관현악단은 현악기, 목관악기, 금관악기, 타악기 등으로 구성되며, 이들의 조화로운 합주를 통해 풍부한 음색과 다이나믹한 표현을 가능하게 한다. 이 형식은 서양 고전 음악의 핵심을 이루며, 특히 교향곡과 관현악곡 같은 대규모 작품을 구현하는 주요 매체로 발전해왔다.

관현악 음악의 본격적인 발전은 바로크 음악 시기에 시작되었다. 당시 궁정과 교회를 중심으로 악기 편성이 체계화되기 시작했으며, 합주 협주곡과 같은 형식이 등장했다. 이후 고전파 음악 시기에 이르러 하이든과 모차르트에 의해 현대적 관현악법의 기초가 마련되었고, 교향곡이 표준적인 4악장 형식으로 정립되는 등 관현악의 황금기가 열렸다.

낭만주의 음악 시기에는 관현악의 규모와 표현력이 극대화되었다. 베를리오즈, 리스트, 바그너 등의 작곡가들은 악단 규모를 확대하고 새로운 악기를 도입하며 극적인 효과와 서사적 스케일을 추구했다. 이 시기에 표제 음악이 발전하면서 관현악은 이야기나 자연 경관 같은 비음악적 개념을 묘사하는 수단으로도 널리 활용되었다.

20세기 이후의 현대 음악에서는 관현악의 개념과 기법에 다양한 실험이 이루어졌다. 전통적인 조성 체계를 벗어나거나, 타악기 군을 강화하는 등 새로운 음향을 탐구했으며, 미니멀리즘과 같은 경향에서는 반복적 패턴을 통한 독특한 관현악 텍스처를 창조하기도 했다. 오늘날 관현악은 클래식 레퍼토리의 연주뿐만 아니라 영화 음악과 같은 현대 매체에서도 중추적인 역할을 하고 있다.

실내악은 소규모의 앙상블이 연주하는 기악 음악 장르이다. 대규모 관현악과 달리, 각 악기 파트가 한 명의 연주자로 구성되는 것이 특징이며, 이로 인해 개별 악기의 표현력과 연주자 간의 밀접한 협력이 중시된다. 주로 궁정이나 귀족의 저택, 그리고 후에는 공개 연주회에서 연주되었다. 실내악의 가장 대표적인 형식은 현악 사중주이며, 이는 두 대의 바이올린, 한 대의 비올라, 한 대의 첼로로 구성된다.

실내악은 바로크 음악 시기에 그 기초가 마련되었으며, 트리오 소나타와 같은 형식이 유행했다. 이후 고전파 음악 시기에 하이든과 모차르트에 의해 현악 사중주가 정립되고 발전하면서 실내악의 황금기를 맞이한다. 낭만주의 음악 시기에는 더욱 감정적이고 복잡한 표현이 도입되었으며, 피아노를 포함한 피아노 삼중주나 피아노 오중주 같은 형식도 활발히 작곡되었다.

실내악의 레퍼토리는 매우 다양하며, 소나타, 변주곡, 론도 등 여러 악곡 형식을 포함한다. 연주 환경이 비교적 친밀하기 때문에, 대규모 관현악 작품보다 세밀한 음악적 대화와 정교한 구조를 탐구하기에 적합한 매체로 여겨진다. 이는 작곡가에게 음악적 아이디어를 집약적으로 표현할 수 있는 장을 제공했다.

서양 음악에서 성악 음악은 인간의 목소리를 주요 악기로 사용하는 음악 장르이다. 이는 오페라, 오라토리오, 칸타타, 가곡, 미사곡 등 다양한 형식으로 발전해왔다. 성악 음악은 단선율의 그레고리오 성가에서 시작하여, 중세 음악 시기 다성음악의 발달과 함께 점차 복잡한 폴리포니 구조를 갖추게 되었다. 특히 르네상스 음악 시기는 성악 다성음악의 황금기로 불리며, 마드리갈과 같은 세속 성악곡이 크게 유행했다.

성악 음악의 발전은 기보법의 정비와 밀접한 관련이 있다. 정확한 음고와 리듬을 기록할 수 있게 되면서, 작곡가들은 더욱 정교한 선율과 화성을 성악곡에 적용할 수 있었다. 바로크 음악 시대에는 오페라가 본격적으로 등장했고, 칸타타와 오라토리오 같은 대규모 성악 형식이 꽃을 피웠다. 이 시기 작곡가들은 인간의 감정을 극적으로 표현하기 위해 레치타티보와 아리아를 구분하는 등 다양한 성악 기법을 개발했다.

고전파 음악과 낭만주의 음악 시기를 거치며 성악 음악은 더욱 다양해진다. 오페라는 극적 구성과 오케스트라의 역할이 강화되었고, 반주가 있는 예술 가곡(리트)이 중요한 장르로 자리잡았다. 낭만주의 작곡가들은 시의 내용과 음악을 깊이 결합한 교향적 가곡을创作하기도 했다. 20세기에 들어서는 전통적인 조성 체계를 벗어나 새로운 발성법과 실험적 형식의 성악 작품도 등장한다.

오페라는 음악, 연기, 무용, 미술 등 여러 예술 장르가 결합된 종합 예술 형식이다. 음악적 서사극으로, 대부분의 경우 가창을 통해 줄거리가 진행되며, 오케스트라의 반주가 수반된다. 오페라는 이탈리아에서 16세기 말에 태동하여 이후 유럽 전역으로 확산되며 발전했다. 초기 오페라는 고대 그리스의 비극을 부활시키려는 르네상스 시대의 인문주의자들의 시도에서 비롯되었으며, 이는 피렌체의 카메라타라는 모임에서 시작되었다.

오페라는 크게 세리아 오페라와 부파 오페라로 구분된다. 세리아 오페라는 주로 신화나 역사 속 영웅을 소재로 한 진지한 내용의 오페라이며, 부파 오페라는 희극적이고 가벼운 내용을 다룬다. 주요 구성 요소로는 등장인물의 감정을 표현하는 아리아, 대화처럼 진행되는 레치타티보, 여러 인물이 함께 부르는 앙상블, 그리고 합창이 있다. 또한 무대 장치와 의상, 연기는 극의 시각적 완성도를 높인다.

오페라는 시대와 지역에 따라 다양한 양식으로 발전했다. 바로크 시대에는 클라우디오 몬테베르디와 게오르크 프리드리히 헨델이 중요한 작곡가로 활약했다. 고전주의 시대에는 볼프강 아마데우스 모차르트가 부파 오페라의 정수를 보여주었다. 낭만주의 시대에는 주세페 베르디와 리하르트 바그너가 각각 이탈리아와 독일 오페라의 새로운 지평을 열었다. 19세기 후반에는 자코모 푸치니와 같은 작곡가들이 사실주의 오페라인 베리즈모를 발전시켰다.